Les Demoiselles de Rochefort est une comédie musicale réalisée par Jacques Demy et sortie en 1967. Elle suit deux sœurs jumelles, Delphine (interprétée par Catherine Deneuve), professeure de danse, et Solange Garnier (Françoise Dorléac), compositrice. Toutes deux rêvent de partir à Paris afin de poursuivre leurs aspirations personnelles, car Rochefort, une ville du sud-ouest de la France, ne semble représenter qu’un lieu de passage, du moins pour les jeunes protagonistes. En effet, le seul personnage à s’installer durablement à Rochefort est Monsieur Dame, l’ancien amant d’Yvonne (la mère des jumelles).

Rochefort rayonne de positivité à travers ses rues aux couleurs pastel et ses personnages toujours en mouvement, animés par la danse, la musique et des tenues soigneusement choisies, qui apportent des touches de couleur supplémentaires en contraste avec les teintes ternes des soldats de passage (éléments négatifs du film). L’ensemble renforce l’aspect onirique du film, qui se révèle extrêmement immersif. L’intrigue se déroule sur la durée d’un week-end de festivités.

Avec l’arrivée de deux artistes ambulants, Delphine et Solange se retrouvent à se produire pour les fêtes de la ville, tout en ayant l’opportunité de partir à Paris avec ces deux hommes.

La narration du film repose sur des personnages destinés à se rencontrer mais qui semblent (presque) ne jamais y parvenir. L’objectif de chacun est de trouver le véritable amour, à la manière d’une comédie musicale classique, et le film n’échoue pas à offrir à son public un happy ending.

L’histoire est construite autour des dynamiques de couples : les sœurs jumelles, les deux forains, les deux anciens amis ayant servi ensemble à la guerre… ainsi que des amants qui finiront par se (re)trouver. La manière dont les personnages sont habillés chaque jour, ainsi que la façon dont ils sont même plan influence la perception que le public a de ces duos ; le premier jour, Delphine porte du rose, Solange du jaune, et les voir ensemble crée une impression de chaleur et de positivité, sans être visuellement trop stimulante.

Le deuxième jour, Étienne et Bill portent du bleu et de l’orange, des couleurs complémentaires, et ces derniers apparaissent en effet comme inséparables.

À l’inverse, la séquence dans la galerie de Guillaume s’ouvre sur ce dernier tirant sur des ballons remplis de peintures de différentes couleurs et se termine de la même façon, lorsque Delphine met fin à leur relation. Métaphoriquement, il « tue » la couleur et, à ce moment du film, et pour la première fois, apparaît une disharmonie visuelle ainsi qu’un événement plutôt pessimiste.

En observant les costumes des personnages, Guillaume porte un costume et un pantalon entièrement rouges, synonymes de danger, de passion et d’intensité, contrastant avec la robe blanche de Delphine et ses touches de rose, qui renvoient à une forme de pureté. De plus, cela crée un déséquilibre esthétique tout en faisant écho à leurs différents se manifestant tant dans leurs visions de la vie que dans celle de l’amour, révélés dans la scène lyrique.

Ici, Delphine se détache des tonalités chromatiques de la galerie, qui sont plutôt ternes que colorées, contrairement à l’appartement modeste mais joyeux des soeurs jumelles.

La scène s’ouvre sur Guillaume, tournant le dos à la caméra, en train de tirer sur les ballons remplis de peinture avant que Delphine n’entre. Au départ, ils sont les deux présents dans le cadre, puis ils sont filmés isolément, ce qui accentue ce point de discorde, avant de réapparaître ensemble lorsqu’ils observent le tableau de Maxence représentant son « idéal féminin », le portrait d’une femme ressemblant fortement à Delphine.

Comédie musicale ayant changé la donne et inspiré plus d’une génération, Les Demoiselles de Rochefort s’impose comme une véritable lettre d’amour à l’art de la mise en scène, ainsi qu’une célébration éclatante du pouvoir des couleurs. Pourtant, derrière cette perfection pastel se cache une constellation d’anecdotes, de ratés et de compromis qui ont scandé la genèse du film, à commencer par son titre.

Comme l’explique Jacques Demy lui-même, et comme le rapporte Jean-Pierre Berthomé dans Jacques Demy et les racines du rêve, le cinéaste souhaitait initialement intituler son film Les Demoiselles d’Avignon, une référence évidente au tableau de Pablo Picasso.

Demy justifie ce renoncement avec un pragmatisme presque désarmant : « Je n’ai pas pu trouver à Avignon cette fichue place où les forains arrivent et s’installent. » Après avoir exploré et envisagé plusieurs villes, Saumur, Hyères, Narbonne, entre autres, c’est finalement Rochefort, forte de ses quelque 29 000 habitants, qui fut choisie comme berceau de cette histoire.

« J’ai eu le coup de foudre pour la place Colbert », confie Demy en février 1966. « Elle est carrée, entourée de bâtiments tirés au couteau, avec un sol de dalles où j’installerai mes danseurs, mon orchestre. » S’ensuit alors un travail colossal de peinture et d’esquisse, mené en grande partie par le talentueux Bernard Evein, chef décorateur du film. Plus de 40 000 mètres carrés de façades sont repeints, une multitude de volets se parent de teintes pastel. L’intégralité du champ visuel de la caméra est ainsi retravaillée; à l’exception notable d’une maison appartenant à une compagnie d’assurance, demeurée obstinément hors palette.

Mais, comme souvent, tout n’est pas possible. Bernard Evein le reconnaît lui-même : « Ce que j’ai le plus regretté pour Les Demoiselles, c’est de ne pas avoir pu repeindre le pont transbordeur en rose. » À ses yeux, ce détail aurait permis de plonger immédiatement le spectateur dans l’univers pastel de la comédie musicale dès la scène d’ouverture. Pourtant, même privé de cette touche bonbon, la scène demeure si marquante qu’elle continue aujourd’hui d’inspirer les cinéastes contemporains, Damien Chazelle en tête pour La La Land. La raison de ce renoncement tient à peu de chose : 20 000 francs manquants. La production refuse donc net la métamorphose sucrée du pont.

La minutie stupéfiante et l’ampleur presque déraisonnable du projet expliquent sans doute pourquoi ce film traverse les décennies avec une telle vitalité. Baignées de couleurs vives, toutes les scènes prennent des allures de rêves éveillés. L’eau du bassin de la place Colbert, teintée d’un bleu irréel, ou encore les volets pastel de la ville, offrent en permanence un écrin parfait à la pétillance des robes et des costumes. Si le récit, en filigrane, se teinte de mélancolie, le contraste créé par les décors vient en adoucir les contours, arrondir les angles de la tristesse.

Arrêtons-nous enfin sur l’un des rares décors intérieurs utilisés à répétition au fil du film: le café d’Yvonne. Énorme cube de verre posé au centre de la place Colbert, ce lieu où toute la ville semble converger est aussi celui où les personnages principaux semblent constamment se manquer; illustration parfaite de ces dialogues de sourds qui traversent l’intrigue. Les larges parois vitrées donnent aux passants comme aux clients l’impression persistante qu’ils vont se croiser, se heurter presque, faute de frontières solides. Mais cette porosité n’est qu’une illusion scénographique: les délimitations sont bien réelles, tout comme ces coïncidences cruelles qui ne font, paradoxalement, qu’éloigner les personnages les uns des autres.

Si la longueur de cet article trahit quelque chose, c’est bien notre affection profonde pour cette comédie musicale. Nous espérons qu’elle transparaît entre les lignes et qu’elle vous donnera envie de re-découvrir ce film et, avec la même ferveur, d’écouter sa bande originale, que nous ne saurions trop vous recommander.

Yours truly,

C&L